unaspapas

Permítanme recomendarles ilustrisima, una galería de arte online donde todo el mundo tiene posibilidad de exponer sus trabajos artísticos, independientemente de su grado de profesionalidad.

Con un cuidado diseño y sin ningún tipo de publicidad, en ilustrisima.com se puede admirar actualmente la obra de más de 80 artistas; entre pintores, fotógrafos, escultores e ilustradores. Aunque no tengan intención de exponer, dense una vuelta por ilustrisima y pasarán un ratillo entretenido. Como dicen ellos, ‘un lugar para ver y ser visto’. Disfruten.
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Diez maravillosos consejos para triunfar en el actual mundillo artístico, expoliados vilmente del blog http://cambiartelaarenita.blogspot.com/

1- Obviamente ninguna receta para hacer una obra de arte particular funciona si usted ya no es previamente un artista, por lo menos debe tener contactos con gente que ya es artista. Más que la obra de arte lo importante es que lo reconozcan como artista. Así que usted debe haber estudiado arte por lo menos, o ser famoso por algo. La gente que no es nada de eso, no es que no pueda, sino que debe esforzarse más siguiendo los ocho consejos restantes.

2- Es de importancia radical que su trabajo esté acompañado de una justificación conceptual profunda que ojalá se conecte con aspectos esenciales, crueles, injustos, horribles o simplemente poco normales de su biografía personal o de la biografía de la sociedad en que usted vive: usted está en búsqueda de algo, explorando algo, considerando algo, criticando algo, tematizando algo, denunciando algo, apropiándose de algo, sufriendo algo. Si usted, para dar un ejemplo muy básico, hace una serie de esculturas de penes de colores (estilo Warhol), entonces usted realmente no esculpe penes de colores, usted lo que hace es “explorar el tema de lo masculino”.

3- Entre más palabras complejas y sinuosas utilice para describir ese algo que le interesa pues mucho mejor. Acompañe toda descripción de lo que hace con palabras que demuestren tautológicamente el poder artístico de su obra. Palabras como “creativa”, “simbólica”, “deconstructora”, “exploratoria”, “transgresora”, son eficaces pues con sólo oírlas uno ya cree que se encuentra en frente de algo importante desde el punto de vista estético contemporáneo. Puede así, en el límite, crear un movimiento artístico nuevo fácilmente. Al fin y al cabo si hay algo que sobra en este mundo son ideas estúpidas.

4- Este es un recurso maravilloso: saque las cosas de contexto, es decir, simplemente coja cualquier objeto cotidiano o fantochada y póngala en la sala de un museo o en cualquier otro espacio donde generalmente usted no espere verla. Hay que aprender del maestro… Duchamp. Obviamente que si la gente ve una horrible y triste realidad cotidiana en la sala de un museo o un objeto muy cotidiano como unas toallas higiénicas usadas bien sanguinolentas encima de un platico con florecitas en la Sala Principal de la Bienal de San Patricio eso generará polémica, rechazo e interés de los académicos de variopintas áreas (un grupo de alemanes vestidos de Ku Klux Klan caminando por las calles de un barrio de negros en el corazón de New York es una jodida obra de arte). En pocas palabras, la gente hablará de usted. El éxito esta garantizado. Tenga fe en los críticos.

5- Sepa que lo que importa no siempre es lo que usted coloca en la obra, sino que muchas veces lo más importante será lo que no se encuentra en la obra. De esta manera, siempre puede apelar al resto del universo físico e ideacional (a ese macroconjunto complementario de la obra) para encontrarle más significados y contrarefutar a los que la critican o a los que ven en lo que usted hace una tontería. De hecho, si lleva esta idea al límite, su obra de arte no sería lo que usted coloca en una instalación (puede incluso ser un espacio vacío) sino el resto del universo físico y social. Esto incluye que cualquier reacción (es mejor decir “efecto post traumático”) que la gente pueda tener después de contemplar su obra es parte de la obra (sea una reacción buena, mala, de escándalo, de indiferencia). Pueden suceder varias cosas. Por ejemplo, si usted pudo predecir la reacción eso muestra su genialidad y confirma sus sospechas estéticas. Si por el otro lado la reacción es imprevista, entonces eso muestra que su obra es tan creativa y autónoma que ni usted la puede controlar. Si la gente se escandaliza y dice que lo suyo no es arte, entonces diga que su obra de arte consistió precisamente en “explorar los límites de lo artístico”… Siempre funciona. Es decir, no importa qué suceda, usted siempre gana.

6- Insistimos en que obviamente todo debe ir acompañado con argumentos bien complejos. Haga uso de cualquier concepto filosófico, económico, religioso, histórico, político, antropológico que pueda encontrar. Ahora bien, lo importante no es que la obra sea la manifestación de un concepto o una idea, sino que se encuentre en los límites de dos conceptos o ideas en conflicto (el único conflicto entre los dos puede ser la propia obra). Eso le dará a la obra una tridimensionalidad conceptual y un dinamismo crítico innegable. Lea mucho, o mejor, deje que los críticos lean por usted, dedíquese únicamente a hacer (o a no hacer) y guarde silencio. Los críticos harán el trabajo sucio, y si le preguntan haga comentarios más ambiguos, extraños e indescifrables que los que hacen los mismos críticos cuando hablan de su obra.

7- Usted en el fondo sabe que todo lo que hace es una basura o sea que un poco de ironía sobre su propia obra ayuda cantidades, pues lo cubre a usted de un halo intelectual de sinceridad artística que lo hará más interesante.

8- Cualquier idea estrafalaria, puerca, escandalosa, ridícula, polémica, antisocial que usted pueda realizar con su propio cuerpo es una obra de arte, un “performance”. O si hace alguna cosa vándala y destructora sobre un lugar u objeto público entonces es una “intervención”. El único requisito es que se encuentre la obra acompañada de dos párrafos bien poéticos o profundos que la describan, escritos por usted o por sus críticos (de nuevo muchas veces lo mejor es dejar que los otros interpreten lo que uno hace: los críticos y los profesores son los que mandan). No lo dude con esa idea heterodoxa, el éxito lo dirá. Lo importante es que se le ocurra a usted primero y que sea capaz de circunscribir un momento, un lugar y unas condiciones bien precisas para que su burrada se transforme en obra de arte.

9- Sea valiente. A muchos se le ocurren estupideces, tal vez porque son bobos o porque son enfermos mentales o resentidos o porque simplemente se lo proponen. Pero sólo pocos tienen el valor de exponerse a sí mismos (por convicción artística o por un afán pragmático, da igual) y correr con el riesgo de ganar fama, prestigio y dinero, o ser en cambio olvidados para siempre. De todas formas, siempre puede escudarse usted en que es un artista incomprendido. Recordemos a Nerón y sus pantomimas mortales.

10- Si después de seguir los 9 consejos anteriores aún no ha logrado reconocimiento como artista, entonces proclame a viva voz “con mi arte me basta”. Sería una salida original frente al fracaso. Pero no dude que si fracasa es simplemente porque no hay espacio en las galerías para usted, ya que otros muchos desocupados siguieron también estos sabios consejos.
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Guillermo Vargas Habacuc, el supuesto artista que cogió a un perro abandonado de la calle, lo ató a una cuerda en la pared de una galería de arte y lo dejó allí para que muriera, tal y como hemos relatado a través de los anteriores comentarios; ya tiene cara.
No haré más comentarios, eso se lo dejo a ustedes, queridos lectores.
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¿Quién dijo que la cerámica es algo serio y aburrido? La artista holandesa Monique Goossens consigue realizar piezas sorprendentes en esta disciplina. Basta un vistazo a sus trabajos para encontrar esa nota de humor y de creatividad. Fíjense sino en la foto adjunta para descubrir como algo banal puede sorprendernos.
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Marina Abramovic es una actriz de teatro de treinta años de Belgrado cuyas obras están diseñadas para conseguir que el público tema por su integridad física. El abuelo de Marina Abramovic fue un patriarca de la Iglesia Ortodoxa Serbia. Luego de su muerte, fue proclamado santo, embalsamado, y colocado en la Iglesia de San Sava en Belgrado. Ambos padres fueron partisanos en la Segunda Guerra Mundial: su padre Vojo fue un comandante aclamado como héroe nacional después de la guerra; su madre Danica fue comandante en la armada, y a mediados de los sesenta fue Directora del Museo de la Revolución y Arte en Belgrado.

En una de sus actuaciones anunció que sería un objeto pasivo durante seis horas y que los espectadores podrían hacer con ella lo que quisieran, y que podían usar como deseasen una serie de objetos, entre ellos una pistola cargada.
Sin entrar en detalles, la actuación acabó con una pelea entre el público cuando alguien intentó usar el arma. En 1978 se encerró con un compañero llamado Ulay y una serpiente pitón que no había comido en dos semanas; los actores hicieron sonidos para atraerla con las vibraciones, y la actuación concluyó cuatro horas más tarde, cuando la serpiente se aburrió con la obra y dejó de prestarles atención.

Otras obras de Abramovic y Ulay que hoy se consideran clásicas incluyen el correr a toda velocidad y desnudos el uno contra el otro y chocar violentamente. O El Cruce del Mar Nocturno, una representación que consistía en estar siete horas enfrentados, sentados a ambos lados de una larga mesa sin hacer nada, e intentando hasta no pestañear. Esta obra fue un éxito y se representó 90 veces. En 1988 Abramovic y Ulay recorrieron la Gran Muralla China, empezando cada uno en un extremo y andando sobre la muralla hasta encontrarse a mitad de camino.

En octubre del año pasado, Abramovic ha representado su obra más difícil, llamada La Casa con Vistas al Océano. Consistió en vivir durante 12 días en tres plataformas adosadas a un muro, sin comer ni hablar. Entre las tres plataformas habían dos huecos de medio metro a través de los cuales se podría caer, especialmente cuando estuviese debilitada por la inanición; esto era intencional, dado que Abramovic quería que el miedo la mantuviera enfocada. Las tres plataformas tenían nombres: “dormitorio”, “comedor”, y “cuarto de baño”. También había unas escaleras que en principio podría haber usado para bajar de las plataformas, pero los escalones eran cuchillos de carnicero. Durante esos días no sólo no tuvo ninguna intimidad, sino que de hecho se animó a los espectadores a que la observasen usando un telescopio. “No voy a prepararme, simplemente subiré ahí y empezaré”, declaró.

Y así lo hizo. Durante los primeros días pareció inquieta y se movió mucho. Para combatir el aburrimiento convirtió en rituales sus actividades más banales, como ducharse, orinar, o beber agua. El tercer día se aficionó a permanecer largos ratos inmóvil en la plataforma central. El quinto día se mostró menos activa, y se concentraba en algunos espectadores. El séptimo día, una espectadora se quedó mirándola fijamente; Abramovic respondió estirando sus brazos para mostrarle las palmas, y la espectadora reaccionó quitándose los zapatos y después siguiendo inmóvil. Aquellos que presenciaron la escena dicen que fue muy dramática. Había gente que iba a ver a Abramovic todos los días. El noveno día, todos los movimientos de Abramovic parecían muy lentos y pesados. Empezó a usar la mesa o la silla para bloquearse la entrada a las otras plataformas, obligándose a entrar en ellas trepando por los bordes. “Era para mantenerme enfocada”, explicó. El decimoprimer día estaba sufriendo claramente, y le costaba hasta ponerse de pie. El último día la sala se llenó de público, y Abramovic se mostró mucho más activa, al haber sido energizada por la presencia del público. Descendió por una auténtica escalera y se tomó un zumo de zanahoria mientras daba explicaciones a la prensa. Todo el planteamiento de la obra procedía de una pregunta: si me purifico, ¿puedo cambiar la energía del espacio y la energía de la audiencia? Y el experimento fue un éxito, ya que Abramovic declaró “Me volví tan hipersensitiva que podía escoger absolutamente cualquier cosa del espacio. Escogí las auras. Para mí era como un océano de mentes ahí fuera. Podía ver la luz de todo el mundo.”

Desde hace tiempo, Abramovic ha defendido su creencia de que el arte ideal es esta transmisión de energía entre el artista y el observador. En China, mientras recorrió la Gran Muralla, empezó a encontrar “puntos de energía”, como puntos de acupuntura. Algunas leyendas describen la muralla como el cuerpo de un dragón durmiendo, y los puntos de energía de Abramovic eran como los puntos de acupuntura sobre la columna vertebral del dragón, sitios donde la gente había intentado controlar la energía de la criatura poniendo potes de bronce y cubriéndolos con pilas de piedras. Abramovic siempre se detenía en estos puntos, para absorber la energía. “Los cristales son los ordenadores simplificados del planeta. Recogen energía, recogen electricidad, recogen luz.” La cama que usó durante su actuación en La Casa con Vistas al Océano era extraordinariamente incómoda, pero tenía una almohada con cristales. Sus camisetas y pantalones, teñidos de siete colores, también tenían imanes. “Me gusta usar todos estos aparatos, sólo funcionan si realmente no comes y te vuelves muy sensitivo.”
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Gregor Graf, fotógrafo austriaco que a través de su propuesta Hidden Town (Ciudad oculta), nos ofrece imágenes de ciudades desprovistas de cualquier tipo de publicidad o anuncios a los que estamos tan acostumbrados. Impresiona ver estas fotografías magníficamente retocadas, donde nos encontramos con calles vacías, sin peatones ni tráfico y edificios vacíos de cualquier tipo de símbolo o luminoso.
Pueden admirar estas fotografías de la serie Hidden Town, en la página oficial de Gregor Graf.
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La lista de los diez primeros artistas mundiales por volumen de subastas, fue encabezada en 2007 por Andy Warhol, que, con 420 millones de dólares vendidos, superó al sempiterno líder, Pablo Picasso, que ese año tuvo que conformarse con una segunda posición, tras alcanzar los cuadros subastados los 319 millones de dólares, según la información hecha pública por Artprice.

Los siguientes puestos han sido ocupados por Francis Bacon (245 M. $), Mark Rothko (207 M.), Claude Monet (165 M.), Henri Matisse (114 M.), Jean Michel Basquiat (102 M.), Fernand Leger (92 M.), Marc Chagall (89 M.) y Paul Cezanne que, con 87 millones de dólares, cierra la lista de los 10 artistas más y mejor vendidos en 2007.

Andy Warhol se debe de estar descojonando en su tumba.
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La prestigiosa Tate Gallery empleó 35.000 euros de fondos públicos para comprar mierda enlatada, literalmente. El autor de esta obra de arte fue Piero Manzoni, un polémico artista italiano que murió de cirrosis a los 29 años. Como protesta por lo absurdo que se había vuelto el mercado de arte, en 1961 envasó sus propios excrementos en 90 latas, que selló siguiendo los estándares industriales sobre comida para consumo humano. En una carta a un amigo, Manzoni se reía del deseo de los coleccionistas por tener algo personal de los artistas, y expresaba su deseo de que la presión interna de los gases de la descomposición hiciera explotar las latas dentro de las vitrinas de “esos crédulos”, para manchar de mierda sus otras obras-basura. Y lo consiguió: los especialistas que han seguido la pista de las 90 latas dicen que al menos 45 de ellas han reventado.

Cada una de las latas contenía 30 gramos de obra, y Manzoni las vendió al precio de su peso en oro de 24 quilates; pero la ironía se debió de perder en algún momento, porque 41 años después su obra se ha revalorizado un 33% más que el oro. La Tate Gallery compró la lata numerada 004 hace tiempo, pero la polémica sobre el uso del dinero de los impuestos ha saltado ahora, cuando se ha expuesto la lata entre otras obras de arte con una etiqueta que dice Heces. Lata de hojalata. Litografía offset. Como justificación, un portavoz de la galería declaró: «El Manzoni fue una adquisición muy importante por una cantidad extremadamente pequeña de dinero, nadie puede negar esto. [...] Lo que hizo con este trabajo fue examinar unos aspectos esenciales del arte del siglo XX, como la autoría y la producción de arte. Fue un trabajo seminal.»

La Tate Gallery tiene también tres cuadros de Chris Ofili pintados con mierda de elefante. Otras dos latas de Manzoni se pueden ver en el museo Pompidou en París y en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Manzoni se debe de estar descojonando en su tumba. Para cagarse.
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Siguiendo con la polémica suscitada por el impresentable ‘artista’ Guillermo Vargas, también conocido como Habacuc, les adjunto la nota de prensa de la Galería Códice de Nicaragua. Me la han remitido algunos lectores que han llegado hasta aquí buscando información sobre este tema.

ACLARACION DE GALERIA CODICE - Managua, 19 de octubre

Galería Códice desde su creación en 1991, ha promovido las artes visuales centroamericanas, pero especialmente las nicaragüenses, tanto en el nivel nacional, como en el regional e internacional. En Códice han expuesto grandes maestros centroamericanos, así como artistas consolidados y emergentes. Los lenguajes contemporáneos del arte universal también han tenido espacio en Códice, por lo que periódicamente acoge muestras de arte conceptual.

Con ese espíritu, el jueves 16 de agosto recién pasado se presentó Exposición No. 1, del artista costarricense, Guillermo Vargas, conocido artísticamente como HABACUC. Uno de los trabajos expuestos consistió en presentar a un perro famélico que Habacuc recogió de la calle, y durante la exposición aparecía amarrado con una cuerda de nylon, que a su vez estaba sujeta a otra cuerda que pendía de dos clavos en una esquina de la Galería.

Habacuc nombró al perro “Natividad” en homenaje al nicaragüense Natividad Canda (24 años) quien murió devorado por dos perros Rottweiler en un taller de San José, Costa Rica, la madrugada del jueves 10 de noviembre de 2005. El perro permaneció en el local tres días, a partir de las 5 de la tarde del miércoles 15 de agosto.

Estuvo suelto todo el tiempo en el patio interior, excepto las 3 horas que duró la muestra, fue alimentado regularmente con comida de perro que el mismo Habucuc trajo. Sorpresivamente, al amanecer del viernes 17, el perro se escapó pasando por las verjas de hierro de la entrada principal del inmueble, mientras el vigilante nocturno quien acababa de alimentarlo limpiaba la acera exterior del mismo.

La Galería Códice se reserva el derecho de velar por la calidad de los trabajos expuestos, respetando en todo momento la creatividad del artista y jamás ha pretendido ejercer ningún tipo de censura, siempre y cuando no atenten contra los principios elementales de la ética y mucho menos que impliquen la vida de un ser viviente, sea humano o animal.

Yo pensaba quedarme con “Natividad”, pero él prefirió retornar a su propio habitat.

Celebro el que tantas personas en el nivel internacional se hayan mostrado molestas por las declaraciones brindadas por Habacuc, en las que sostenía que su intención era dejar morir al perro de inanición, lo que es de su absoluta responsabilidad.

Al cumplir con informar la verdad de los hechos, espero que todas esas mismas personas hayan elevado también su voz de repudio cuando Natividad Canda fue devorado por los Rottweiler.

Atentamente, Juanita Bermúdez, Directora Galería Códice Managua, Nicaragua

Hasta aquí la nota de la galerista. Lo que ya empiezo a pensar es que este payaso ha montado toda esta plémica simplemente para que hablemos de él, aunque sea mal, y de alguna manera al publicar estos artículos le estamos siguiendo el juego. Indudablemente, de ser ciertos los hechos, este tipejo merece que le den por todos lados por maltratar a un animal en el nombre del arte.
Desde aquí mi más absoluto desprecio por él y por su trabajo.
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Siguiendo con la tradición aquí les dejo de nuevo otro hermoso y rotundo culo. Que al final se va a convertir esto en un ‘culodromo’ de tanta parte noble que publico. En fin, que ustedes lo disfruten, que un bonito culo no se ve todos los días. Al menos, fuera de este blog. Ja.
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